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Technique du chant lyrique versus technique du chant pop – 1ère partie

Quelles sont les différences entre la technique du chant classique et celle utilisée en variété/pop/ jazz ? Un chanteur pop doit-il nécessairement passer par une base classique ? Continuer à lire

Une base technique solide

Certaines stars de la variété sont passées par une formation lyrique. Lara Fabian ou Nolwenn Leroy par exemple, ont suivi une formation classique en conservatoire. Beaucoup revendiquent ce bagage comme une richesse, un gage de solidité technique. En plus de l’exploration des différents registres vocaux, l’apprentissage du chant lyrique permet une bonne maîtrise du souffle.

Avec la pratique, cette maîtrise aidera à développer la voix : tessiture, enrichissement du timbre, puissance. En pratique, cela permettra d’être à l’aise dans différents répertoires, d’atteindre plus facilement les notes aiguës, d’éviter de terminer un concert ou une tournée aphone. Le contrôle de la respiration diaphragmatique permet d’utiliser ce qu’on appelle «le soutien » : ce ne sont pas les cordes vocales isolées, ainsi que les muscles du cou qui devront supporter tous seuls l’effort de la performance.

Pour quelques exemples pratiques, regardez nos tutoriels :

Avec ou sans micros : des techniques différentes

L’émission vocale lyrique utilise une voix dite « tournée ». C’est-à-dire que le voile du palais se soulève, le chanteur «crée » ainsi beaucoup d’espace, en optimisant ses caisses de résonances. Pour prendre conscience de cette attitude du chanteur lyrique, vous pouvez faire cet exercice classique : dilatez les narines comme pour respirer un parfum, ou comme si quelque chose vous surprenait. Puis esquissez comme un début de bâillement, pour ensuite pouvoir attaquer une voyelle, par exemple un «o ». Vous allez constater que ce son sera comme «projeté », avec une certaine puissance, suspendu.

En pop ou en variété, il n’y a pas d’obligation de soulever autant le voile du palais. Il se peut d’ailleurs qu’un chanteur d’opéra très aguerri, qui aurait un beau timbre en lyrique, puisse sonner assez pauvrement s’il essaie de modifier son type d’émission. Cela est dû à l’aboutissement du travail qu’il aura fait sur son palais mou, avantageux pour un certain type de technique, mais pas pour tous.

Des différences d’esthétiques

Si en lyrique, la voix est utilisée sans micro avec un impératif de grande projection, en pop, en jazz ou en variété, on va privilégier la singularité du timbre, et traiter différemment l’utilisation de la voix de poitrine. L’utilisation d’un micro permet une plus grande diversité dans les choix de placement de voix, de dosages que l’on fait. On pourra ainsi apprécier un timbre «avec de l’air » (ce qui veut dire que les cordes vocales ne s’accolent pas totalement), comme celui de Carla Bruni, ou alors une voix qui semble frêle et fragile mais véhiculant une émotion et un charme particulier, par exemple celui de Jane Birkin.

Tout ce qui serait considéré comme un «défaut » ou une «faiblesse » en classique, peut au contraire être prisé au micro, constituer une griffe, une identité originale, une signature vocale personnelle.

Se constituer sa propre palette

Pour sentir cette différence, tentez d’interpréter une chanson en cherchant la simplicité, essayez d’être très proches de votre voix parlée. Ne pas hésiter à explorer, à chercher à susurrer, à ajouter un peu d’air dans la voix, faire des recherches de couleurs vocales.

Chaque voix dévoilera des particularités et un charme propres.

Écouter chant rock et opéra en parallèle

Témoignant de leur capacité à ne pas se prendre trop au sérieux et de leur ouverture d’esprit, Montserrat Caballé et Freddie Mercury ont collaboré. Le résultat peut être jugé «kitsch », mais la diva a eu le recul et l’humour nécessaires pour choisir de conserver son style opératique à côté du chanteur rock. Ce qui permet d’entendre deux techniques simultanément.

Si une base de technique classique est un atout pour aborder d’autres styles, passer d’un style vocal à l’autre ne va pas forcément de soi !

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